AKTUELLE AUSSTELLUNG
Im Böhmerwaldparadies,
Europahaus, Freyung
„Der Künstler macht sein Werk, wie die Blume blüht, sie blüht, wenn sie auch in der Wüste ist und nie ein Auge auf sie fällt.“ (Adalbert Stifter)„Miluji celou svou vlast, celou tuto českou zemi, nikoli jen omezený kousek její, protože tvoří zeměpisný a historický celek, nikoli dvojí území, jež by fanatikové národnostního ohraničení nejraději fantastickou čínskou zdí ohradili a uzavřeli. Jest mým právem a mou povinností milovati tento celek, ať jsem Němcem, či Čechem.“ (Karel Klostermann)
Šumava byla ve starověku nazývána jako „pohoří kozorožců“ (zajímavostí a podivuhodnou shodou náhod je, že malířka je narozena ve znamení kozoroha). Poprvé v historii se o Šumavě zmiňuje Strabón na přelomu letopočtu a označuje tak území na jih od Sudéty, tedy keltského označení dnešních Krušných hor. Jak Strabón, tak i pozdější Klaudius Ptolemaios popisují Šumavu jako „velký les“. Tento název a popis zaujal malířku Chlastákovou, která ve svých živočišných malbách často znázorňuje šumavskou lesní krajinu současnosti. Šumava je pro Chlastákovou mýtický prales, který v našem nitru rozehrává širokou škálu emocí a pro mnohé, kteří mají s Šumavou zkušenost, je to téměř legendární území vázající k sobě spoustu příběhů a bohatou kulturní historii tohoto lesa. Malířka Chlastáková tyto dějiny a příběhy zná a inspiruje se jimi ve své malířské tvorbě. Například její obraz nazvaný „Tanec mrtvých“ je ozvěnou příběhu, kdy opilí čeští vojáci v padesátých letech vytahali z opuštěné hrobky kostlivce oblečené v nádherných šatech zdobených šperky a tančili s nimi tanec, který se pro ně posléze stal osudným, aspoň tak praví legenda. Malířka v tomto obraze maluje osudnou chvíli, která po prolomení tabu přináší smrt a zmar.
Výstava je rozčleněna do tří malířských cyklů: Zvířata či obyvatelé Šumavy, Vztah a Mizející Šumava. Malířka podle jejích vlastních slov při malování těchto tematických celků myslela zejména na fenomény pomíjivosti, lidskosti a nestálosti. Svým dramatickým, expresivně laděným projevem plným exaltované barevnosti se snažila vyjádřit podstatu života na Šumavě, tedy prostoru na „okraji“, místu, kde se dodnes potkávají zvířata a lidé žijící zde logicky v užším kontaktu než ve městě.
Tuto symbiózu mezi obyvateli Šumavy malířka zpracovala ve svém nejstarším cyklu „Zvířata či obyvatelé Šumavy“. Pozorný pozorovatel těchto obrazů zjišťuje, že tyto obrazy plné zdánlivě neuspořádaných ploch plných vegetace ukrývají tvory, plné emocí, ať jsou to mírumilovné krávy či nespoutané živly v přírodě i v nás, vlci.
Malířský cyklus „Vztah“ se introvertně obrací k úvahám malířky o ženskosti, chápání ženské krásy jako odvěkého tématu malířství a mírně melancholicky rozechvívá úvahy o vadnutí a konci živých bytostí a to nejen žen. V tomto malířsky brilantním cyklu Barbora Chlastáková promítá své představy o vlastní identitě a žití na pokraji šumavského hvozdu do vizuálně podmanivých pláten plných barokní plnosti a smyslnosti.
Třetím a nejrozsáhlejším malířským cyklem výstavy je soubor pláten nazvaný „Mizející Šumava“. Malířka zde plně a přesvědčivě navazuje na tradici české krajinomalby a tuto tradici obohacuje o vlastní hlubokou procítěnost a sensitivitu vůči člověku v krajině a jeho odvěkému zápasu o nalezení útočiště, štěstí a krásy. Šumavská krajina v podání Barbory Chlastákové je nespoutaným prostředím plné živočišné energie a přírodních fenoménů, které naplňují úžasem městského člověka otupeného šedí ulic a přesyceného agresivní, ve finále stejně otupující reklamou s prvoplánovou primitivní vizualitou.
Les má pro každý národ určitý význam, obzvláště v německém jazykovém prostoru (do kterého ostatně Šumava spadá) přináší obraz lesa mnohé, hluboce zakořeněné obrazy a představy. Teutoburský les s vítězným Arminiem, romantické představy o lese jako idylického prostoru v celé jeho monumentálnosti v obrazech Caspara Davida Friedricha či dějiště mnohých pohádek bratří Grimmů. V česky mluvícím prostředí je typický český les jiný, je menší, více kultivovaný, není tak hrozivý a je více prostorem kouzelné lišky Bystroušky a sběračů hub.
Gabreta neboli Šumava je pro obyvatele české kotliny zároveň les blízký i vzdálený, obestřený mlhou nepřístupnosti a jisté tajemnosti. Je brán jako hraniční území, kde je problematické se dostat, neboť bylo v historické paměti uzavřeným územím, hlídaným pohraničníky s velkými psy a ostrou municí nabitými samopaly. Pouze pašeráci, či převaděči lidí se v tomto území vyznali a sváděli souboje na život a na smrt s uniformovanými strážci. Ještě dávno, dávno předtím byla Šumava místem těžkého života a také mnohých tragédií, které se zde díky tomu odehráli. Doba se však pohnula a nyní je Šumava nikoliv hranicí, ale spíše mostem, ve kterém se můžou opět potkávat sousedé, vykládat si příběhy a bavit se o věcech dávno minulých, ale i zcela současných.
text Jan Melena
Türen, die bereits anderen gehören
Der Böhmerwald ist wie ein barocker Tempel, und die Menschen, die ihn bewohnen, sind die Glocken, die den Tempel läuten, heute wie damals...
Mit diesen Worten leitet Barbora Chlastáková ihre Ausstellung ein - eine Installation, die an die Vergangenheit dieser Landschaft erinnern soll, verwoben mit herzzerreißenden Geschichten. Tschechen, Deutsche, Juden und Roma wurden gezwungen, ihre Heimat zu verlassen und durften nicht in ihre Häuser zurückkehren. Es ist äußerst wichtig, die in der Vergangenheit begangenen Fehler nicht zu vergessen und sich ständig daran zu erinnern, nicht nur, damit sie sich nie wiederholen, sondern vor allem, um sie zu vermeiden. Die Autorin ist zutiefst betroffen von all dem, was derzeit in unserer Nähe und um uns herum geschieht, nicht nur von der Art und Weise, wie die Menschen miteinander und mit der Natur umgehen, sondern auch von den aktuellen Spannungen auf der politischen Bühne im In- und Ausland.
In ihrer Rede macht die Malerin keinen Hehl daraus, dass sie vom Böhmerwald fasziniert ist. Sie liebt den Barock und sucht nach Parallelen zwischen der barocken Welt und dem Raum des Böhmerwaldes, in ihrer Vermischung von Licht, Schatten und Dunkelheit.So wie der Barock seine dunkle Zeit mit sich brachte, hatte der Böhmerwald oft seine eigene Dunkelheit, die Barbora in ihren intimen melancholischen und dramatischen Szenerien verarbeitet, die von Besuchen an Orten hervorgerufen werden, die einst voller Leben waren und heute nur noch in Andeutungen an eine verschwundene Zivilisation erinnern.Aus ihren Bildern geht hervor, dass sie sich auch zu den zeitgenössischen tierischen "Bewohnern" des Böhmerwaldes hingezogen fühlt, durch die sie die gegenwärtigen und vergangenen menschlichen Dramen anschaulich projiziert.
Die Autorin hat die Installation der Ausstellung mit vielen visuellen Mitteln konzipiert, darunter Malerei, Fotografie und Artefakte, die alle durch die Musik von Dorota Bárová illustriert werden, und so eine Installation geschaffen, die uns an das ganze Gewicht der Vergangenheit erinnern und gleichzeitig vor ihrer Wiederholung warnen soll. Und wie sie selbst zugibt, wurde die Konzeption der gesamten Ausstellung von Viola Fischerovás Gedicht Something to Load aus ihrer Sammlung Growing Up Close geleitet, dessen letzte Worte der Ausstellung ihren Titel gaben.
Die Ausstellung ist sehr aktuell und spiegelt das wider, was in und um uns herum geschieht. Ihr Reiz liegt in dem Bewusstsein unserer Zusammengehörigkeit und lädt uns zu dem schwierigen Ziel ein, die Welt gemeinsam zu verbessern. Und, wie Bára selbst sagt: "Was ich früher für selbstverständlich hielt, sehe ich heute als ein Geschenk, das wir jeden Tag schätzen und für das wir dankbar sein müssen."
Dveře které už patří jiným
Dort, wo Wölfe heulen
Dort, wo Wölfe heulen
Eine Landschaft mit Rindern und Wölfen
Für mich ist der Böhmerwald ein barocker Tempel, und die Menschen darin die Glocken, die den Tempel erläuten. Die Worte der Malerin beschreiben deutlich die Beziehung zu dem Ort, in dem sie lebt, arbeitet und ihre Kinder großzieht. In der Landschaft von Barboras Gemälden trifft aufeinander das, was wir aus der lebendigen Erde herauslesen können, was wir selbst erleben können, und das, was wir durch intellektuelle Neugier aus Büchern, von Zeitzeugen und guten Filmdokumentationen erworben haben: die enge Verbindung zwischen Mensch und Natur. Eine Landschaft mit Rindern und Wölfen, wie beschrieben von Karl Klostermann, sterbend und romantisch festgehalten in den Holzschnitten von Josef Váchal. Eine gesehene, gefühlte und historische Landschaft. Wir alle sind Besucher dieser Landschaft, egal ob wir seit Jahren, Jahrzehnten oder Jahrhunderten in ihr leben. Was den Autor interessiert, ist nicht ein strikter Gegensatz zwischen Wildnis und Zivilisation, sondern vielmehr ein Zeugnis der langen physischen und spirituellen Koexistenz des Menschen und der Natur. Der Böhmerwald ist „Holz und Kartoffeln“, aber auch der Kreuzweg, die Qual Gottes, Kapellen und hübsche Dörfer, Alleinlagen und Gehöfte, verwahrloste Werkstätte und kleine Fabriken, landwirtschaftliche Anwesen. Die Geschichte ist hier mit einer grausamen Gleichgültigkeit gegenüber dem individuellen Schicksals vorgeschritten. In den Überlegungen der Autorin zur Malerei treffen sich Malichs kosmische Vision von Erde, Wasser, Licht, Luft und Wind in einem Ganzen aufeinander, aber auch die Last und Bürde der Menschheit, die Jitka und Květa Vála so gut zum Ausdruck bringen konnten. Die Malerin erwähnt ihre Faszination für den goldenen Dunst am Morgen, wie die Landschaft tanzte, als die Sonne sie berührte. In den Gemälden haltet sie klare Tage, aber auch Zeiten des Regens, Schlammes und Windes fest. Die Bilder stammen aus einer Landschaft, die einem Menschen nichts geschenkt und nichts umsonst gibt. Wenn wir uns in sie hineinversetzen, spüren wir die leise Welt der Gedanken, die allgegenwärtigen Segnungen und die überraschenden und gewalttätigen Meilensteine natürlicher und historischer Katastrophen. Wölfe stellen in der Landschaft, sowie in den Gemälden ein ungenaues Element dar. Wir sind sie in der Natur nicht gewohnt, wir haben Angst von unserem Fernseherlebnis, voller Horror und Fantasie, angefangen mit dem Grimm-Märchen „Rotkäppchen“. Ihr Überleben wird nicht durch natürliche Selektion bestimmt, sondern durch das menschliche Handeln, wie es nunmal in dem Anthropozän der Fall ist. In den Gemälden von Barbora Chlastáková sind Kühe und Stiere in der Porträtebene zu sehen. Ihre „Gesichter“ füllen die intimen quadratischen Leinwände. Die großformatigen Gemälde sind von den Körpern beinahe restlos besetzt. Das Fell der Tiere glänzt wie Gold und Silber in der klaren Luft. Es dominieren expressive grüne und violette Pinselstriche. Die Gemälde lassen keinen Zweifel an sich, dass es sich um biblische Tiere handelt, Zeugen der Geburt Christi, ein Symbol des Evangelisten Lukas, des Schutzpatrons der Maler. Seit der Antike wird der Stier mit Europa verbunden, die Kuh mit der Fruchtbarkeit. In der Natur nehmen wir Kühe und Bullen als monumentale, ruhige Monolithen wahr. Aber wenn sie sich bewegen...! Gejagte und zugleich würdevolle Kreaturen, die den Menschen mit fast allem versorgen, was er zum Überleben braucht – Milch, Fleisch, Haut, Horn – wurden von prähistorischen Magiern auf die Steinwände von Höhlen gemalt. Sie waren auch für Picasso ein großes Thema. Teil der Naturstärke, eine gewisse schamanische Kraft, geht auch auf die Malerin über. Sie spürt Auren, hört Klänge, die sich durch die Landschaft tragen, so wie unbemerkter Timber, wohltuend für die Fruchtbarkeit der Felder, die Dichte der Wälder und den duftenden Charme der Wiesen. Barbora Chlastáková sieht die „Kuh“ als die Göttin der Fruchtbarkeit, bewundert ihre souveräne Kraft und ihre sanften Augen: Sie sieht mehr als wir. Diese "Porträts“ wurden für mindestens zehn Kinder zum Tor der Geburt. Barbora ist eine wirkliche Malerin, sie basiert nicht auf einer Zeichnung, nicht einmal auf einem Foto. Sie beherrscht auch die Macht des Wortes. Das Bild entsteht aus Neuvisualisierung geschriebener Sätze, alten Notizen, aus Texte und Abbildung mithilfe der Augen. Bei der Modellierung von Formen und Raum hält sie sich an die Prinzipien von Cézanne. Die Mischung von Impression und Expression, die dem Ansatz von Jakub Špaňhel nicht unähnlich ist, unterscheidet sich formal, mit dem genannten Autor teilt Sie auch ein gemeinsames Thema: den Borkenkäfer, den Goldkäfer. In den Gemälden von Barbora Chlastáková taucht eine fast vergessene Poetik wieder auf. Die Stimmung des Neunzehnten Jahrhunderts, patriotisch im positiven Sinne, etwas prähistorisch, klar in der Gegenwart verankert. Kurz formuliert, die Bedeutung der Arbeit der Autorin ist einfach: Es geht darum, was wir aus der Landschaft spüren und was wir in sie hineinlegen.
Martina Vítková
Im Böhmerwaldparadies
die Ausstellung, Die Für Die Neu Rekonstruierten Räume Des
winterberger Schlosses Vorbereitet Ist, Präsentiert Die Neuesten Bilder
der Autorin, Die Den Themen Der Vergänglichkeit, Veränderlichkeit
und Suche Nach Menschlichkeit Gewidmet Sind. Barbora Chlastáková
verbindet Sie Symbolisch Mit Der Böhmerwälder Landschaft
und Damit, Wie Der Böhmerwald In Den Erzählungen Von Karel
klostermann Geschildert Wird. Auch Wenn Ihre Werke Unabhängig
vom Klostermanns Buch Im Böhmerwaldparadies entstanden sind,
aktualisiert sie mittels des Mediums der Malerei die essenziellen
Bedeutungen dieses klassischen Werkes der Literatur Ende des
19. Jahrhunderts. Sie zeigte sogar ähnliche Themen, in denen die
melodramatische Böhmerwälder Landschaft mit allen farblichen
Umwandlungen, Tieren und Menschen, die da leben, und Elementen
als ein wichtiger Akteur mitspielt.
Der Böhmerwald inspirierte Klostermann und Dutzende von
Künstlern, die ihn in unterschiedlicher Art und Weise darstellten und
genauso inspiriert er weiterhin die gegenwärtigen Künstler. Gerade
die aktuelle Kunst und ihre Fassung sind hier durch Werke von
Barbora Chlastáková und ihre Ausstellung „Im Böhmerwaldparadies“
repräsentiert.
Beziehung
Pragovka White room
Galerie Bernarda Bolzana
Die Entfernung vom Leben. Verlassen. Zurücklassen. Tod. Abdrücke die wir in der materiellen Welt hinterlassen können. All das sind Fragen die Philosophen und Künstler begleiten, seitdem sich jene erste Hand entschlossen hat, die schlecht beleuchteten Höhlenwände der Homo Sapiens zu bemalen. Auch diese ersten Menschen haben sich mit der Vergänglichkeit des Lebens mithilfe Kunst abgefunden. Sie glaubten daran Schicksaal und Seele Rentiere, Moschuse oder Mammuts durch deren einfachen Aufzeichnung kontrollieren zu können.
Und wenn sie einen Menschen darstellen - in fünf Zügen den Menschenskörper abbilden – würde er in dieser Abbildung für immer weiterleben.
Barbora Chlastáková geht es in der Serie “Beziehung“ um das Ausdrücken dieses Phänomens. Erinnerungen an Verstorbene festhalten - sei es der Gedanke an das fiktiv ermordete Mädchen „Der Fluss“ oder die autentische Geschichte über den Abschied mit der Großmutter (Bernini Ludevica, 1674) - die Autorin versucht jedes Mal die Flüchtigkeit des Lebens und der Beziehungen durch Körpermorphologie einzufangen.
Gleichzeitig ist der Prozess des Malens an sich für die Autorin eine Art des Bezugs zu sich selbst, zum eigenen Körper (Judith erwartet ein Kind), zur Welt, zu den Zuschauern.
Auf den einzelnen Bildern der Ausstellung sind archetypische Anzeichen sichtbar, welche in unserem kulturellen Raum die Vorstellung der einzelnen Beziehungen darstellen.
Auf Bara‘s Leinwänder dominiert Blau - die Farbe des Himmels, der Ferne, des Wassers, des Unwirklichen und Fantastischen, sowie der Göttlichkeit und Wahrheit. Vor allem ist diese Farbe auch mit dem deutschen Dichter Novalis verbunden - für ihn symbolisierte "die blaue Blume" ewiges Verlangen.
Dreiundzwanzig Illustrationen, dessen Hauptthema Körperlichkeit und Körperpräsenz im Raum darstellen, sind eine Zusammenstellung verschiedener postmoderner Zitate auf einem scheinbar fragmentiertem Sichtfeld. Diese Bilder zitieren Art Deco, spaßen zugegeben mit Man Ray, Francis Picabia, Drticle und die Essenzen der 1920er Jahre durchdringen durch kubistische, rayonistische und futuristische Techniken auf allen Gemäldern.
Die charakteristische Teilung des Bildfeldes, in dem die Autorin florale und geometrische Motive abwechselt, unterscheidet sich in vielerleier Hinsicht von den futuristischen oder kubistischen Strukturen des letzten Jahrhunderts.
Ein gemeinsames Merkmal ist jedoch die Tatsache, dass die formale Disparation der einzelnen Gemälden, Teil des Dialogs der Autorin zur Welt ist – „ihr Bezug zur Welt“ .
Es fehlt zwar Verwirrung ausgelöst durch die Welt der rasanten Entwicklung Großstädten (für den Expressionismus typisch), in der postinformatischen Zeit deuten jedoch die disruptiven Konstruktionen auf eine ganz andere Geschiche hin. Für den Menschen im Übergang des 19. und 20. Jahrhunderts ebenso abfällig wie die industrielle Entwicklung.
Auf einem der Gemälde „Der Sturm, das Gewitter und der Leuchtturm“ ändert sich die Perspektive von Grund auf. Die einzelnen Felder komunizieren miteinander – sie sind nicht disparat.
Die stark erotische Spannung wird einerseits durch die Farbdosierung andererseits durch das Motiv des Bildes dimensioniert.
Das Verarbeiten tiefer menschlichen Triebhaftigkeit öffnet für Barbora weitere Schichten, welche mit dem Verbunden sind: neben unserer Sterblichkeit „Verlassen“ „Sterben“, das Gedächtnis, Liebe, Sexulaität und schließlich jenes Blau – das unendliche Verlangen “der blauen Blume“, welche uns nicht einmal da verlässt, wo wir uns entscheiden haben, es zu verlassen...
text Tomáš Kubart
Shunga
Barbora Chlastáková hat sich bei ihrer neuesten Serie von Gemälden von japanischen Shungas inspirieren lassen. Dabei handelt es sich um Zeichnungen und Holzschnitte, die explizit amouröse Praktiken abbilden. Im 17. und 18. Jahrhundert dienten sie als lehrreiches Geschenk für Verliebte, das meist heimlich unter das Kopfkissen des frisch bezogenen Bettes gelegt wurde. Da diese Gemälde von der damaligen Regierung zensiert wurden, blieben viele ihrer Künstler anonym. Eine Ausnahme bildet der Meister des Shunga: Kitagawa Utamaro, dessen Kompositionen in Baras Gemälden stark nachhallen.
Die Shunga-Technik selbst wird jedoch durch die malerische Handschrift der Künstlerin transformiert.
Während sie in ihren früheren Serien mit der Vervielfältigung eines zentralen Motivs arbeitete (z. B. in der Serie Blut und Milch), hat sie sich nun intuitiv dem Prinzip der Synthese genähert.
Wie sie selbst bemerkte, genießt sie die Begegnung zwischen ihrer expressiven Malerei und der präzisen und schematischen Technik der japanischen Druckgrafik: "Es ist, als hätte ich Kitagawa vergewaltigt und zwei verschiedene Welten durch den Akt der Liebe zusammengebracht."
Die Serie Shung begann mit dem Gemälde "Nagasaki Fuck". Der doppeldeutige Titel bezieht sich auf die Szene eines Paares, das sich während der Explosion der Atombombe liebt; es ist auch ein befreiender Akt der Liebe und des Glücks trotz heuchlerischer Moral und Leid.
Die Gemälde von Barbara Chlastáková strahlen eine Sinnlichkeit aus, die wir wahrnehmen, noch bevor wir ihren Inhalt vollständig entschlüsseln. Darin erinnert ihre Technik entfernt an die schöpferische Absicht von Kandinsky, der versuchte, die nicht-gegenständliche Realität, wie die Musik, in Farbe darzustellen. Wenn wir zugeben, dass der Geruch, die Körperlichkeit, die Liebe, die Angst vor dem unausweichlichen Vergehen, die Krise im Sexualleben und das Bemühen, sie zu überwinden, das Gleichgewicht und das Glück wiederherzustellen, ihre Farben haben können, dann sind sie in diesen Bildern zu finden. Ihre Farbigkeit und ihr Hang zur Abstraktion und Fragmentierung führt also zweifellos zu einer tieferen Betrachtung des Themas des Intimlebens und der Sexualität.
Die Gemälde von Barbora Chlastáková sind thematisch und maltechnisch mit den Werken zeitgenössischer europäischer Künstler wie Rossana Buremi, Sam Jackson oder Cecily Brown vergleichbar. Sie sind durch die Kombination von abstrakter Malerei mit Figuration, das Interesse an der Untersuchung der Darstellung des menschlichen Körpers und das Thema der Ritualisierung des Liebesakts miteinander verbunden. Zum Teil verweisen die Arbeiten dieser Künstler auch auf das Erbe von Willem de Koonig.
Das implizite Motiv der Ausstellung wird durch den Titel Abendgesichter verstärkt: "Wir dürfen die Liebe nicht gleichgültig nehmen (...) wenigstens am Abend der Rationalität entfliehen und uns den Gefühlen hingeben".
Wie sehen die Gesichter der Liebenden aus, die sich im Zustand des Vergnügens, der Vorfreude oder der Angst vor dem Vergnügen befinden? Es ist eine Frage von tiefer und erschreckend intimer Mimik. Der Autor gibt einen Einblick in die Gesichter einiger der gemalten Paare, während er andere in den geisterhaften Farbexplosionen des Abends, in ihren privaten Geheimnissen verborgen lässt.
Es scheint, dass der Monat Mai die beste Zeit ist, um diese Bilder zu präsentieren, denn zusammen mit dem Frühling sind sie ein Fest der Liebe und der Partnerschaft.
text Jana Písaříková
